El golpe, un relato de memoria
lunes, 08 de julio de 2019 @ 19:00 to 20:00 y @ 21:00 to 22:00 at Sala Teatro Diego Rivera
NOMBRE DE LA OBRA: El Golpe, un relato de memoria
NOMBRE CÍA: La Maulina
CIUDAD, PAÍS: Santiago, Chile.
CLAS: Todo espectador
DURACIÓN: 60
VALOR ENTRADAS: FUNCIÓN 19 HORAS: $1.000.-/FUNCIÓN 21 HORAS: ENTRADA LIBERADA.-
“El Golpe, un relato de memoria” es la adaptación teatral a las décimas que Roberto Parra Sandoval escribió en distintas etapas de la dictadura en Chile. La Biblioteca Nacional aloja esos manuscritos y en 2013 encargó este proyecto al equipo conformado por la dramaturga Florencia Martínez, la directora Soledad Cruz, el actor Nicolás Pavez y el músico Nicolás Láscar. El resultado fue un unipersonal, que contiene a diversos personajes anónimos que sufrieron violaciones a los derechos humanos en la periferia de la capital y en zonas rurales de Chile. La obra da cuenta de estos hechos con la mirada humana y pícara, propia del “tío Roberto”, un autor fundamental que hoy, a 45 años del golpe, vuelve a conmovernos con esta parte de nuestra historia.
Texto: Roberto Parra. Adaptación: Florencia Martínez. Dirección: Soledad Cruz. Interpretación: Nicolás Pavez. Composición e interpretación musical: Nicolás Lascar. Diseño integral: Valentina San Juan. Realización escenográfica: Eduardo Gallagher. Iluminación: Cristián Matta. Diseño gráfco: Daniela Bunker y Felipe Leal. Producción: Francesca Ceccotti.
FIC Puerto Montt presenta Cine para el Adulto Mayor: Bohemian Rhapsody, la historia de Freddie Mercury
martes, 09 de julio de 2019 @ 15:00 to 17:00 at Sala Mafalda Mora
Sinopsis: ‘Bohemian Rhapsody’ es una celebración del grupo Queen, de su música y de su extraordinario cantante Freddie Mercury, que desafió estereotipos e hizo añicos tradiciones para convertirse en uno de los showmans más queridos del mundo. La película plasma el meteórico ascenso de la banda al olimpo de la música a través de sus icónicas canciones y su revolucionario sonido, su crisis cuando el estilo de vida de Mercury estuvo fuera de control, y su triunfal reunión en la víspera del Live Aid, en la que Mercury, mientras sufría una enfermedad que amenazaba su vida, lidera a la banda en uno de los conciertos de rock más grandes de la historia. Refleja asimismo cómo se cimentó el legado de una banda que siempre se pareció más a una familia, y que continúa inspirando a propios y extraños, soñadores y amantes de la música hasta nuestros días. (FILMAFFINITY)
Título original: Bohemian Rhapsody
Año: 2018
Duración: 134 min.
País: Reino Unido
Dirección: Bryan Singer
Guion: Anthony McCarten (Historia: Anthony McCarten, Peter Morgan)
Música: John Ottman (Canciones: Queen)
Fotografía: Newton Thomas Sigel
Reparto: Rami Malek, Joseph Mazzello, Ben Hardy, Gwilym Lee, Lucy Boynton, Aidan Gillen, Tom Hollander, Mike Myers, Allen Leech, Aaron McCusker, Jess Radomska, Max Bennett, Michelle Duncan, Ace Bhatti, Charlotte Sharland, Ian Jareth Williamson, Dickie Beau, Jesús Gallo, Jessie Vinning
Productora: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; GK Films / New Regency Pictures / Queen Films Ltd. / Tribeca Productions / Regency Enterprises. Distribuida por 20th Century Fox
Género: Drama | Biográfico. Música. Años 70. Años 80. Homosexualidad. SIDA
Premios
2018: 4 Premios Oscar: incluyendo mejor actor (Malek), montaje y sonido. 5 nom.
2018: Globos de Oro: Mejor película drama y actor (Rami Malek)
2018: 2 Premios BAFTA: Mejor actor (Rami Malek) y sonido. 7 nominacoines
2018: Critics Choice Awards: Nominada a mejor actor, vestuario y maquillaje
2018: Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a Mejor actor (Rami Malek)
2018: Satellite Awards: Nominada a mejor actor comedia/musical (Rami Malek)
2018: Sindicato de Productores (PGA): Nominada a mejor película
2018: Sindicato de Actores (SAG): Mejor actor (Rami Malek). Nominada mejor cast
La piel de Elisa
martes, 09 de julio de 2019 @ 19:00 to 20:00 y @ 21:00 to 22:00 at Sala Teatro Diego Rivera
NOMBRE DE LA OBRA: La Piel de Elisa
NOMBRE CÍA: Grupo Los Pliegues
CIUDAD, PAÍS: Buenos Aires, Argentina.
CLAS: +18
DURACIÓN: 50 minutos
VALOR ENTRADAS: FUNCIÓN 19 HORAS: $1.000.-/FUNCIÓN 21 HORAS: ENTRADA LIBERADA.-
Una mujer en un bar relata fragmentos de diversas historias de amor, propias y ajenas. Un hombre joven le sugirió este ejercicio con un propósito que se irá develando frente al público. Entre todos; personajes, músico y espectadores se entrelazaran distintos recuerdos e imágenes sensoriales amorosas, cuál tertulia, y es solo entonces cuando se arma (entre los presentes) un bálsamo para ahuyentar el desapasionamiento y la muerte.
Autoría: Carole Fréchette. Dirección: Silvina Katz. Interpretación: Dana Basso, Lisandro Penelas. Música en vivo: Fabio Loverso. Asistente: Marcos del Campo
La espera
miércoles, 10 de julio de 2019 @ 19:00 to 20:20 y @ 21:00 to 22:20 at Sala Teatro Diego Rivera
NOMBRE DE LA OBRA: La Espera
NOMBRE CÍA: Teatro del Terror
CIUDAD, PAÍS: Santiago, Chile.
CLAS: +18
DURACIÓN: 80 minutos.
VALOR ENTRADAS: FUNCIÓN 19 HORAS: $1.000.-/FUNCIÓN 21 HORAS: ENTRADA LIBERADA.-
Región del Maule, Chile, 1936. El terror habita en la zona producto de una serie de asesinatos ocurridos en las cercanías de las haciendas más acaudaladas. No son pocos los campesinos que juran haber visto el fantasma de una niña visitando constantemente el río donde fue encontrado su cuerpo. Bajo este clima de oscuridad, el patrón de una de las haciendas encuentra a un conocido bandido de la zona, “el negro”, entrampado en las faldas de una mujer y bañado en su sangre en lo que parece ser una violación. El patrón, con ánimo justiciero, le pega un tiro en la pierna y lo arrastra hasta la bodega de la casa patronal, por lo que su esposa, la patrona, deberá curar sus heridas para mantenerlo con vida a la espera de la llegada de carabineros. Al apresarlo, “el negro” les jura a ambos que se escapará y regresará para cobrar venganza. La noche siguiente, la mujer -presa del miedo- se desvela en medio de una terrorífica premonición a la espera de que él regrese. Con el pasar de las horas y sumergida en la oscuridad del campo, escucha el galopar de un caballo que se detiene en el patio de su casa.
Dramaturgia: Iván Fernández. Dirección: Javier Ibarra Letelier, Nicolás Pavez. Elenco: Soledad Cruz Court, Nicolás Pavez, Claudio Riveros, Carol Henríquez. Diseño integral: Rocío Hernández. Composición musical: Juan Carlos Valenzuela. Producción: María Luisa Vergara. Audiovisual: Alex Waghorn. Entrenamiento: Valentina Bravo. Fotografía: Amaro.
Volver a Madryn
jueves, 11 de julio de 2019 @ 19:00 to 20:20 y @ 21:00 to 22:20 at Sala Teatro Diego Rivera
NOMBRE CÍA: El Cuenco Teatro
CIUDAD, PAÍS: Córdoba, Argentina.
CLAS: +18
DURACIÓN: 80 minutos
VALOR ENTRADAS: FUNCIÓN 19 HORAS: $1.000.-/FUNCIÓN 21 HORAS: ENTRADA LIBERADA.-
Patagonia, Argentina. Un pueblo de la costa en invierno. Un lugar en el que nunca pasa nada hasta que ocurre un hecho extraordinario; un golpe de suerte, un robo a mano armada, un acto de justicia. La historia de un absurdo robo en el crudo invierno patagónico durante la crisis del 2001. Espectáculo de humor negro en clave de thriller, que explora las posibilidades del cine dentro del teatro. Con personajes y situaciones que recuerdan el cine de Guy Ritchie y los hermanos Cohen. Se trata de una obra de gran impacto visual, ritmo vertiginoso y actuaciones aclamadas por la crítica.
Dramaturgia y dirección: Rodrigo Cuesta. Interpretación: Alejandro Orlando, Hernán Sevilla e Ignacio Tamagno. Diseño de Sonido: Horacio Fierro. Diseño de Iluminación: Samuel Silva y Rodrigo Cuesta. Fotografía: Marcos Rostagno.
Se estrena documental que muestra los orígenes de Lucybell
jueves, 11 de julio de 2019 @ 19:00 to 20:30 at Sala Mafalda Mora
- El registro de 1994 es testigo de la grabación de Peces, el disco que catapultó a la fama a la banda nacional.
- La película ganó el Premio al Mejor Documental Nacional en el Festival de Cine Musical y Documental InEdit Santiago, 2018.
Cuatro músicos novatos se ponen a disposición de uno de los hombres más importantes del rock argentino: Mario Brauer. El productor musical -que para entonces ya ha trabajado con Soda Stereo, Charly García y Sumo, entre otros-, aplica toda su conocimiento e histrionismo para que el grupo de amigos universitarios logre crear lo que sería uno de los discos más importantes del rock chileno de los 90. El nombre del disco es Peces. El de la banda, Lucybell. El documental Cuando respiro en tu boca es una película llena de esperanza, humor y música; un testigo privilegiado de os orígenes de una banda que en ese entonces no se imaginaba lo famosa que llegaría a ser.
Un documental perdido en una caja por 23 años
Cuando respiro en tu boca es el registro realizado en 1994 por el director Carlos Moena, quien en ese momento figuraba como amigo del cuarteto que grabaría un rudimentario video clip. “El proceso fue muy improvisado, cero recursos. Con una cámara prestada, tres cintas formato Hi8 recicladas, y una maleta de luces sacada de mi escuela. Yo fui el productor, camarógrafo, maquillador y estilista. Imagina una no producción: solo una persona con pocos equipos, durante ocho días en el estudio” explica Moena respecto del estreno del mes de julio del programa Miradoc.
Las cintas quedaron guardadas en una caja durante 23 años. Hasta que aparecieron el año 2017 en medio de un cambio de casa del director. Ahí nace el interés de revisar el material, que poco a poco fue convirtiéndose en una pieza documental que ganó el Festival InEdit en 2018.
En él se puede ver, sin intervención alguna, el trabajo de los cuatro integrantes fundadores de Lucybell: Claudio Valenzuela (voz y guitarra), Francisco González (batería), Marcelo Muñoz (bajo) y Gabriel Vigliensoni (teclados). “Cuando grabé, tenía cero experiencia como director de videoclips o documentales, así que registré de manera instintiva tratando de no influir en lo que estaba pasando, sin echar a perder la grabación, ni el trabajo de ellos. Cuando monté el material, la experiencia del videoclip fue usada al máximo, ya que cada secuencia es casi un videoclip en sí mismo. Hice todos mis esfuerzos por montar rítmicamente, tal como los clips, con el material que disponía” cuenta su director, aludiendo a su reconocida experiencia como realizador de videoclips para músicos chilenos.
Registro con profundidad
Otra singularidad de la cinta es la búsqueda nostálgica de la década de los noventa. La emotividad de volver en el tiempo y recordar objetos, palabras, imágenes y sonidos que ya no son parte de la cotidianeidad. Para su director, esta característica fue un recurso muy valioso al momento de trabajar la pieza: “el hecho de haber dejado el material en reposo durante más de veinte años le añadió profundidad. La película tiene permanentemente una sensación de vuelta al pasado, por las cosas que se dicen y la tecnología que se ve”.
Finalmente, es esta particularidad la que entrega un valor agregado a la película, ya que no es necesario saber de música o ser fanático/a de Lucybell para apreciar la riqueza de su registro. Así mismo lo percibe Carlos, quien concluye “esta es una película sobre los 90 sin querer serlo, y ahí está la parte interesante que junta a las generaciones que vivieron esa época y sus hijos, algo que se ha dado en las exhibiciones y es muy gratificante. Es una película super entretenida sobre un tema que no importa, y yo al menos necesito eso”.
Sinopsis
En 1994 Lucybell entra a grabar su primer álbum, junto al famoso y excéntrico productor argentino Mario Breuer. Durante ocho días deberán superar sus diferencias para completar el trabajo que los hará famosos. Esta es la historia detrás de Peces, uno de los discos chilenos más influyentes de los 90s.
Ficha Técnica
Dirección: Carlos Moena
Producción: Carlos Moena, Rodolfo Gárate y Felipe Arancibia
Casa productora: The Union Films
Guión: Carlos Moena
Fotografía: Carlos Moena
Montaje: Carlos Moena
Sonido: Ignacio Cubillos
Duración: 90 minutos
Calificación: Todo espectador
¿Qué es Miradoc?
Miradoc es el programa que, cada año, estrena ocho documentales nacionales en 24 salas y 18 ciudades de Chile. Es organizado por la Corporación Chilena del Documental CCDoc y financiado por Fondo Audiovisual, Línea de Distribución de Cine, Apoyo a la Distribución de Cine Nacional 2019 del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio, y la colaboración de radio Concierto.
María Paz Mateluna
+569 91623024
Jorge Olavarría inaugura la exposición “Los escenarios secretos”
jueves, 11 de julio de 2019 @ 19:00 to 20:00 at Sala Mexicana
Dentro del espacio íntimo del pensamiento, todos libramos nuestras propias batallas. “Los escenarios secretos” son todas aquellas puestas en escena donde nuestros conflictos internos toman forma: inseguridades, miedos, derrotas, frustraciones, pesadillas, son dramatizados en silencio y oscuridad `por Jorge Olavarría, pintor puertomontino, oriundo de Chaitén.
Una serie inspirada fuertemente en la ficción teatral, que reflexiona sobre la artificialidad de la pintura figurativa es lo que nos trae el joven artista visual Jorge Olavarría, hasta el 03 de agosto en la Sala Mexicana de la Casa del Arte Diego Rivera.
La construcción imaginaria de escenas visualmente verosímiles pero evidentemente imposibles e irreales, ha sido un recurso utilizado a lo largo de la historia del arte para ofrecer un relato, una recreación dramática y simbólica con personajes y roles. Al igual que en una obra teatral, los personajes no son identificados con un rostro y un nombre, sino con un concepto que capitalice su rol en la obra. “En este caso, cada máscara corresponde a uno en específico; aprovechando las posibilidades de la figuración, los actores se acercan cada vez más a la fantasmagoría: se deforman, se transforman y se mutilan con el fin de encarnarse en sus propias máscaras” explica el autor.
Por otro lado, las obras están cargadas de ironía respecto a la pintura clásica y figurativa tradicional. Las referencias directas van desde pintores barrocos y neoclásicos como Caravaggio, Rubens, Bougereau, Ingres, Delacroix, David, Géricault y Cabanel; hasta pintoras surrealistas modernas como Remedios Varo y Dorothea Tanning. Todos los pintores han de inspirarse en los viejos maestros y referirse a ellos en sus obras, pero aquello no significa realizar un homenaje servil o anacrónico. Mostrar los dilemas del “yo” con la épica de la narrativa clásica en la pintura no puede otra cosa que una mofa; a cambio de ropajes, disfraces, armas y tocados, lo que hay son basura, chatarra y harapos. Este aspecto es una forma de acercar la obra a lo cotidiano y negar la sublimidad de un arte tan lejano y ajeno a nuestra realidad y nuestra historia. La proposición de esta serie es tomar el conocimiento de la tradición de la pintura pero plantear a la vez la riqueza visual local con lo que nos ofrece la realidad y se impregna en nuestro imaginario, aún cuando eso implique un profundo pesimismo y una sórdida fealdad.
Biografía Jorge Olavarría Velásquez (Chaitén, 1995), pintor puertomontino, inicia la práctica de la pintura alrededor del año 2014 con la serie “Invierno Siempreverde”. Ingresa a la Escuela de Artes de la Universidad Austral en 2016, participando y colaborando en varios proyectos artísticos. Con exposiciones individuales y colectivas por medios independientes e institucionales dentro de la región de los Lagos, región de los Ríos y región de la Araucanía; a inicios de 2019 es seleccionado con mención honrosa en el 7° Salón de Artes Visuales SURMUNDO con la obra “Épocas”. Actualmente estudiante de último año de Artes Visuales en la Universidad Austral de Chile en Valdivia.
Contacto: jorge.andresolavarria@gmail.com/Instagram: @jorge.olavarria.art
Coto Colorao
viernes, 12 de julio de 2019 @ 19:00 to 20:10 y @ 21:00 to 22:10 at Sala Teatro Diego Rivera
NOMBRE CÍA: VOYEUR TEATRO
CIUDAD, PAÍS: Santa Cruz de la Sierra, Bolivia.
CLAS: +13
DURACIÓN: 70 minutos
VALOR ENTRADAS: FUNCIÓN 19 HORAS: $1.000.-/FUNCIÓN 21 HORAS: ENTRADA LIBERADA.-
Inspirada en una canción de la literatura oral popular –muy reconocida ya que narra la historia de un hombre que asesina a su esposa- la obra parte de una Santa Cruz de antaño y de la búsqueda de reflexión poética acerca de la violencia. Es un canto al dolor que se está contado a través del humor, la ironía y la música como hilo conductor. La estética conjuga el juego dramático de máscaras, música en vivo, colores y personajes grotescos. Casi como una tragedia griega, el coro, las máscaras, las danzas y las canciones se mezclan con el espacio construyendo una trágica historia sazonada con gajes de humos popular.
Dirección y dramaturgia: Jorge Calero. Guion: VOYEUR TEATRO. Elenco: Rosa Valeria Barrios, Bryan Camacho, Jorghe Vargas, Ramber Grageda, Giovanné Hidalgo, Alejandra Rea, Alejandra Grageda, Gonzalo Michel. Diseño y construcción de máscaras: Angela Cahuata. Diseño de luces: Porfirio Azogue
Juan Salvador Tramoya
sábado, 13 de julio de 2019 @ 19:00 to 20:10 y @ 21:00 to 22:10 at Sala Teatro Diego Rivera
NOMBRE DE LA OBRA: Juan Salvador Tramoya
NOMBRE CÍA: La Mona Ilustre
CIUDAD, PAÍS: Santiago, Chile.
CLAS: Todo espectador
DURACIÓN: 60
VALOR ENTRADAS: FUNCIÓN 19 HORAS: $1.000.-/FUNCIÓN 21 HORAS: ENTRADA LIBERADA.-
Juan Salvador trabaja como tramoya en un teatro. Juan Salvador ordena, ordena y ordena. Ordena un camarín, ordena pañuelos, algodones, pinceles… ¡hasta que se confunde! Y comienza a imaginar que los pañuelos son palomas, y los algodones se convierten en bombas; el camarín de repente es la luna o una mansión tenebrosa. Juan Salvador vive, en su imaginación, aventuras maravillosamente absurdas que no siempre tienen final feliz, y que casi siempre terminan provocando algún desastre. ¿Podrá Juan Salvador dejar el camarín limpio? ¿Será capaz de dejar de lado su imaginación y volver a su trabajo? Juan Salvador se atreve a leer un texto de teatro que está en la mesa del camarín y que comienza así: “Juan Salvador trabaja como tramoya en un teatro…”.
Autoría: Diego Hinojosa, Miguel Bregante. Dirección: Miguel Bregante. Asistencia de dirección: Paula Barraza. Interpretación: Diego Hinojosa. Producción: Travesía Producciones, La Mona Ilustre. Coproducción: La Mona Ilustre, Standarte. Música: Felipe Hinojosa, Sebastián Aracena. Diseño integral: Eduardo Jiménez. Diseño gráfico: www.non.cl,. Utilerías: Isidora Robeson. Iluminación y sonido: Miguel Bregante. Comunicación: Claudia Araya.
El monstruo de colores
domingo, 14 de julio de 2019 @ 12:00 to 13:00 y @ 15:00 to 16:00 at Sala Teatro Diego Rivera
NOMBRE DE LA OBRA: El Monstruo de colores
NOMBRE CÍA: Teatro El Galpón
CIUDAD, PAÍS: Montevideo, Uruguay
CLAS: Infantil
DURACIÓN: 50 minutos
¿Cómo hacemos para conocer y reconocer una emoción? ¡Quizá cada emoción podría tener un color! Ponerle un color a la alegría, a la tristeza, al enojo o al miedo, nos otorga la posibilidad de poder ordenar nuestras emociones, pero ¡ojo! nuestro amigo “el monstruo” se ha confundido, ya que los colores –todos entreverados- lo pintan por todos lados. “El Monstruo de colores” es una obra que trata el valor de la alfabetización emocional, logrando que los niños se identifiquen con el personaje y a través de él, reconozcan, acepten y procesen sus emociones.
Autoría: Anna Llenás. Adaptación y dirección: Dante Alfonso. Elenco: Fernando Besozzi, Luis Fleitas, Analía Gavilán. Diseño de escenografía y vestuario: Maite Bastarrica, Valentina Gatti. Diseño de iluminación: Ana Paula Segundo. Música y ambientación sonora: Pierino Zorzini. Títeres y muñecos: Fernando Besozzi, Luis Fleitas. Efectos especiales: Segio Ferrer. Prensa y comunicaciones: Gabriela Judelkin. Producción ejecutiva: Daniela Pauletti.
Muchacho de luna
domingo, 14 de julio de 2019 @ 20:00 to 21:10 at Sala Teatro Diego Rivera
NOMBRE DE LA OBRA: Muchacho de Luna
NOMBRE CÍA: Saeta Teatro
CIUDAD, PAÍS: Santiago, Chile.
CLAS: +14
DURACIÓN: 70 minutos
Pretende ser un espejo al que podremos asomarnos para mirarnos; un refugio del Poeta, en el cual nos contará de sus miedos, sueños y amores. No es biografía, pero si palpitación de un alma sensible expuesta a un mundo que no le da cabida y lo arrastra hacia su muerte. Un actor que, por momentos, es Lorca en poesía y en obras y, en otras, un hermano y –finalmente- un hombre cuyos pensamientos y emociones se parecerán a los nuestros. “Muchacho de Luna” es una propuesta minimalista y ascética, que buscará empecinadamente el clima de esa Andalucía del llano ardiente y mágica en la que la luna ilumina el amor y la muerte.
Autoría y Dirección: Oscar Barney Finn. Interpretación: Paulo Brunetti. Producción general: Guillermo Gallardo.
